Основная задача, которая сейчас стоит перед многими музеями, состоит в планомерной интеграции цифровых технологий в процесс повествования. Сторонники идеи «сторителлинга» считают, что информацию, рассказанную в виде истории, легче запомнить. Сторителлинг, который, к примеру, применяется на выставке современного искусства, может привлечь внимание зрителей к какой-то конкретной работе, помочь взглянуть по-новому на произведения художника в контексте его биографии .
Однако критики этого метода говорят о том, что сторителлинг часто упрощает информацию, т.е. он больше служит в качестве развлекательного инструмента, а не образовательного. Рассказать сложные вещи так, чтобы они были представлены кратко и ярко, может быть не всегда легко.
Задача куратора, использующего инструменты цифрового сторителлинга, - расставить важные акценты, переработать информацию в триггеры любопытства и воображения, которые будут работать во время и после посещения музея.
Одно из направлений, в котором используются инструменты цифрового сторителлинга - мультимедийный лонгрид (от англ. long - «длинный», read - «читать», т.е. «длинный текст» или «продолжительное чтение»). Это история, рассказанная при помощи нескольких мультимедийных средств, а именно графиков, гиперссылок, видео, аудио, слайдшоу. Он сверстан «таким образом, что, с одной стороны, каждая мультимедийная составляющая дополняет и развивает общий рассказ, с другой - недоступность или невозможность воспроизведения одного из элементов истории не искажает общий смысл» .
Мультимедийный контент дает новое измерение тексту: он погружает в материал, создает эффект присутствия. Главная составляющая лонгрида - текст, а остальные элементы (аудио, видео, анимация) передают атмосферу, стиль, создают определенное настроение. В то же время, необходимо их распределять эти элементы образом, чтобы они не «перегружали» читателя и не отвлекали от основного смысла.
В лонгриде также важно уделить внимание «скроллингу» (от англ. scrolling «просматривание») - форме представления информации, при которой контент двигается в вертикальном или горизонтальном направлении. Такой прием используется в проекте «Ненавсегда», о котором мы будем подробно говорить в следующей главе. Одна из частей проекта - это мультимедийный лонгрид, посвященный советским акциям и перформансам. В качестве референса была выбран проект «Жили-были», реализованный редакцией «Такие дела», который рассказывает личные истории бездомных людей. Основной особенностью этого проекта являются анимированные иллюстрации и звуки, которые «оживляют» рассказ, это вдохновило нас на создание веб-проекта «Выходка».
Мы посчитали важным передать действия, которые происходили на перформансах арт-групп «Мухомор» и «Коллективные действия», а именно: путешествие по московской «подземке» вместе с художниками, создание объекта на акции «Картины». Нашей задачей было сделать так, чтобы пользователь смог почувствовать себя участником событий. Проблема также состояла в недостаточном количестве документов - фотографий, видеозаписей. Именно поэтому мы решили использовать анимированные иллюстрации, которые заменят реальные снимки. Также зритель будет глубже погружаться в описание события по мере «скроллинга».
Следующий пример - это digital-проект дома-музея Анны Франк. Цифровая история «Анна Франк и ее дневник» реализована в формате лонгрида, посвященному истории дневника еврейской девочки, который она вела, скрываясь в своём доме от грозящего ареста в период оккупации Амстердама. Проект акцентирует внимание зрителей на проблемах антисемитизма. Помимо основной истории семьи Франк, в нем можно прочитать дополнительную информацию (например, об условиях, в которых содержались люди в концлагерях), эти материалы представлены в виде фотографий и видеозаписей с горизонтальной ориентацией .Разнообразие примеров показывает, что методы цифрового сторителлинга универсальны и могут применяться практически для любого типа повествования.
2.3 Перформанс и цифровые технологии
Цифровые технологии уже давно проникли в сферу искусства, а частности в перформанс, который, таким образом, становится интерактивным. Как говорилось ранее, для многих перформансов было важно активно вовлекать зрителей в процесс.
Так, популярным видом взаимодействия с аудиторией в перформансах является использование технологии виртуальной реальности. Примером события в формате VR является один из последних проектов Марины Абрамович. По словам художницы, ее новый VR-проект -- это своеобразное противопоставление ее же ранним работам и знаменитому методу «забросить подальше компьютер, часы и вообще любую технику, чтобы освободиться от сторонних знаний и найти единение внутри себя». В своем VR-перформансе Абрамович присутствует только виртуально .
В российской практике также есть пример использования VR в ходе перформативного события. Так, в январе 2019 года в Государственном музее культурном центре "Интеграция" им. Н.А. Островского был проведен перформанс в формате виртуальной реальности "Слепые в большом городе". Перформанс был призван показать, с какими сложностями каждый день сталкиваются незрячие москвичи . Интересно то, что после своего завершения перформанс продолжил свою жизнь в формате мобильного приложения. Проект позволяет любому желающему стать активным участником перформанса, не выходя из дома.
Цифровые технологии также стали причиной появления такого направления в искусстве, как медиа-перформанс. По мнению британского ученого Стива Диксона понятие «медиа-перформанс» (digital performance) включает в себя все перформативные работы, в которых компьютерные технологи играют ключевую, а не второстепенную роль в формировании контента, техники, эстетики или формы .
В качестве примера медиаперформанса приведем работу американского дуэта MTAA, которую также можно назвать реэнактментом, т. к. она повторяет «Годичный перформанс» (1978) художника Тейчина Сье, «заточившего» себя в комнате на год. На видео под названием «Годичный перформанс. Видео» участники MTAA (www.mteww.com) сидят в двух идентичных комнатах (специально сконструированных и оснащенных грубо сколоченными кроватями и столами). Как и Тейчин Сье в своем перформансе, они заняты рутинными делами, но, в отличие от тайвано-американского художника, делают это на камеру, как будто ведущей прямую трансляцию, и приглашают зрителей наблюдать за происходящим целый год. При этом художники не тратили на перформанс целый год своих жизней; они отсняли лишь несколько часов и закольцевали видео, увеличив его продолжительность до 31 536 000 секунд .
Еще одним примером использования в перформансе цифровых технологий является мультимедийная реконструкция работы Йозефа Бойса «Я люблю Америку, а Америка любит меня», представленный в «Медиамузее». В 1974 году художник в течение недели жил в галерее Рене Блока в Нью-Йорке вместе с койотом. Он укрывался куском войлока, защищался от животного пастушьим посохом, а пол галереи был завален американскими газетами. Работа документирована детально с того момента, как Бойса поместили в самолет в Германии, а затем, по прибытии в Нью-Йорк, отвезли на машине скорой помощи в галерею. Общежитие художника с койотом и комментарии Бойса по поводу этого перформанса засняты на пленку .
Итак, подводя итог, можно с уверенностью говорить о том, что цифровые технологии оказывают большое влияние на процесс сохранения нематериального искусства, что можно увидеть на примере созданных многими музеями веб-архивов, а также альбомов и публикаций в социальных сетях.
Помимо этого, мы увидели, что инструменты цифрового сторителлинга активно применяются культурными институциями, чтобы рассказывать посетителю информацию о своей коллекции, а также рассмотрели, как современные художники-перформансисты используют технологии в своих работах.
3. Библия проекта «Ненавсегда»
В данной главе речь пойдет о проекте «Ненавсегда», который был создан для Государственной Третьяковской галереи. Мы сосредоточимся на ключевой части проекта - веб-проекте «Выходка», который посвящен советским акциям арт-групп «Коллективные действия», «Мухомор», художников Виталия Комара и Александра Меламида.
Ниже предоставлена информация о контексте проекта и его целевой аудитории. Также мы сможем увидеть, как на практике применяются инструменты цифрового сторителлинга при создании музейных проектов.
Предыстория и контекст проекта.
В 2020 году в Государственной Третьяковской галерее откроется выставка «Ненавсегда. 1968-1986», посвященная официальному и неофициальному искусству эпохи застоя. Она станет второй частью трилогии о жизни советского общества после Великой Отечественной войны: первой частью была «Оттепель», проведённая в 2017 году, а заключительной станет «Перестройка», предварительной датой открытия которой назначен 2023 год.
Целью выставки директор Третьяковской галереи З.И. Трегулова называет демонстрацию невероятной интенсивности интеллектуальной и духовной жизни этого времени, равно как и её двойственности, противоречивость которой заключается в сочетании жёстких внешних ограничений и множественных проявлений внутренней свободы, выразившихся в невероятно бурной интеллектуальной и творческой жизни художников того времени.
«Ненавсегда. 1968-1985» станет попыткой анализа индивидуального и массового сознания советского человека, на что намекает даже прежнее её название, «Это было навсегда», отсылающее к работе антрополога А.В. Юрчака «Это было навсегда, пока не кончилось. Последнее советское поколение».
Основываясь на популярности «Оттепели», в Третьяковской галерее ожидают, что посещаемость выставки «Ненавсегда» превысит 120 000 человек.
Экспозиция расположится в Новой Третьяковке и будет состоять из восьми разделов:
? Ритуал и власть;
? Соц-арт;
? Религиозный мистицизм;
? Сообщества;
? История и остановленное время;
? Деревня;
? Детство;
? Исчезновение.
Экспозиция будет построена по принципу демонстрации «действия» и «противодействия», где действием станет общая идеологическая риторика, которой были пропитаны произведения официального искусства, а противодействием -- различные модели бегства от реальности, воплощённые в произведениях художников-нонкорформистов, представителей подпольного искусства, многие из которых впоследствии получили мировое признание.
Более того, экспозиция впервые рассмотрит андеграундное искусство эпохи застоя в контексте мировых течений постмодернизма. Уделит особое внимание проблеме эскапизма, которое, по словам кураторов выставки, художники выражали четырьмя разными способами: бегством из многолюдного города в деревню, то есть возвращением к корням, созданием вокруг себя элитарного круга единомышленников, уходом в детство, в эго-состояние ребёнка и, наконец, обращением к религии.
Краткое описание проекта.
В рамках выставки Государственной Третьяковской галереи «Ненавсегда», посвящённой теме советского искусства конца 70-х -- середины 80-х в мы создаем анимационный веб-проект «Выходка», который расскажет об акциях двух советских арт-групп и художнков.
Проект представляет собой сайт с тремя иллюстрированными анимированными лонгридами. Каждый лонгрид раскрывает историю и показывает хронологию ключевого перфоманса одной из неофициальных художественных групп. Были выбраны акции Комара и Меламида («Биточки прессные»), группы «Коллективные действия» («Картины») и «Мухомор» («Метро»). Перформансы представляют разные хронологические периоды в рамках эпохи политического застоя, к которой обращается выставка. При этом они отличаются друг от друга концептуально и стилистически, что позволяет продемонстрировать разнообразие художественных практик.
Ключевые персонажи проекта.
1. «Коллективные действия»
Андрей Монастырский (Сумнин) -- поэт, художник, теоретик искусства, один из основателей группы «Коллективные действия» и московского романтического концептуализма (последнее отрицает). В середине 70-х вместе с группой устраивал акции в подмосковных лесах. Своими учителями считает Джона Кейджа и Илью Кабакова. В 2011 году представлял Россию на Венецианской биеннале. Предпочитает погружаться не в будущее, а в прошлое.
Илья Кабаков -- основатель московского романтического концептуализма, родоначальник жанра «тотальной инсталляции» и самый дорогой российский художник. В 1950-х зарабатывал на жизнь иллюстрацией детских журналов и книг, но вскоре полностью посвятил себя искусству, в особенности возрождению жанра художественного альбома. С 1980-х создаёт миры--инсталляции вокруг неприглядного советского быта. Называет страх главной чертой довоенного поколения.
Виктор Пивоваров -- ещё один отец московского романтического концептуализма. Своими первыми картинами называет карикатуры на рабочих пьяниц закройного цеха обувной фабрики «Парижская коммуна». Вместе с Кабаковым иллюстрировал детские журналы и создавал художественные альбомы, которые называл любимым, хоть и бесперспективным жанром. Считает, что у каждого человека есть своё ощущение жизни, которое очень трудно выразить. Свою жизнь ощущает как лимон.