Натюрморт. Питер Клас и Виллем Хеда
Тонкость, правдивость в воссоздании действительности сочетается у голландских мастеров с острым чувством красоты, открываемой в любом ее явлении, даже самом неприметном и будничном. Эта черта голландского художественного гения проявилась, быть может, всего нагляднее в натюрморте- неслучайно этот жанр был излюбленным в Голландии.
Натюрморт голландцы называли "stilleven", что означает "тихая жизнь", и это слово несравненно точнее выражает тот смысл, который голландские живописцы вкладывали в изображение вещей, чем "nature morte" - мертвая натура. В неодушевленных предметах они видели особую, скрытую жизнь, связанную с жизнью человека, с его бытом, привычками, вкусами. Голландские живописцы создавали впечатление естественного "беспорядка" в расположении вещей: они показывали разрезанный пирог, очищенный лимон с висящей спиралью кожурой, недопитый бокал вина, горящую свечу, раскрытую книгу, - всегда кажется, что кто-то касался этих предметов, только что пользовался ими, всегда ощущается незримое присутствие человека.
Ведущими мастерами голландского натюрморта первой половины XVII века были Питер Клас (1597/98-1661) и Виллем Хеда (1594-ок. 1680). Любимая тема их натюрмортов - так называемые "завтраки". В "Завтраке с омаром" В. Хеды предметы самой различной формы и материала - кофейник, бокал, лимон, фаянсовое блюдо, серебряная тарелка и др. - сопоставлены друг с другом так, чтобы выявить особенности и привлекательность каждого. Разнообразными приемами Хеда великолепно передает материал и специфику их фактуры; так, блики света по-разному играют на поверхности стекла и металла: на стекле - светлые, с резкими очертаниями, на металле - бледные, матовые, на позолоченном бокале - сияющие, яркие. Все элементы композиции объединены светом и колоритом - серовато-зеленой красочной гаммой.
В "Натюрморте со свечой" П. Класса замечательна не только точность воспроизведения материальных качеств предметов - композиция и освещение придают им большую эмоциональную выразительность.
Натюрморты Класса и Хеды исполнены особого настроения, сближающего между собой, - это настроение интимности и уюта, рождающее представление о налаженной и спокойной жизни бюргерского дома, где царит достаток и где во всем ощущаются забота человеческих рук и внимательных хозяйских глаз. Голландские живописцы утверждают эстетическую ценность вещей, а натюрморт как бы косвенно воспевает и тот быт, с которым неразрывно связано их существование. Поэтому его можно рассматривать как одно из художественных воплощений важной темы голландского искусства - темы жизни частного человека. Свое главное решение она получила в жанровой картине.[&&] Ротенберг И. Е. Западноевропейское искусство XVII в. Москва, 1971 г;
Во второй половине XVII века в голландском обществе происходят изменения: нарастает стремление буржуазии к аристократизации. Скромные "Завтраки" Класа и Хеды уступают место богатым "десертам" Абрахама ван Бейерна и Виллема Кальфа, которые включали в натюрморты эффектные фаянсовые блюда, серебряные сосуды, драгоценные кубки и раковины. Сложнее становятся композиционные построения, декоративнее - краски. В дальнейшем натюрморт утрачивает свой демократизм, интимность, свою одухотворённость и поэзию. Он превращается в пышное украшение жилища высокопоставленных заказчиков. При всей декоративности и мастерстве исполнения поздние натюрморты предвосхищают закат великой голландской реалистической живописи, наступившей в начале XVIII века и вызванный социальным перерождением голландской буржуазии в последней трети XVII века, распространением новых тенденций в искусстве, связанных с тяготением буржуазии к вкусам французского дворянства. Голландское искусство теряет связи с демократической традицией, утрачивает реалистическую основу, теряет национальную самобытность и вступает в полосу длительного упадка.
Натюрморт ("Stilleven" - что по-голландски означает - "тихая жизнь") - это своеобразная и достаточно популярная ветвь голландской живописи. Голландский натюрморт 17 века характеризует узкая специализация голландских мастеров внутри жанра. Тема "Цветы и фрукты", включает, как правило, и разнообразных насекомых. "Охотничьи трофеи" - это, прежде всего, охотничьи трофеи - битая птица и дичь. "Завтраки" и "Десерты", а также изображения рыбы - живой и уснувшей, разнообразных птиц - лишь часть наиболее известных тем натюрмортов. В своей совокупности эти отдельные сюжеты характеризуют и пристальный интерес голландцев к сюжетам повседневной жизни, и их любимые занятия, и увлеченность экзотикой дальних земель (в композициях присутствуют диковинные раковины, фрукты). Часто в произведениях с мотивами "живой" и "мертвой" натуры закладывается символический подтекст, легко понятный образованному зрителю XVII века.
Так, сочетание отдельных предметов могло служить намеком на бренность земного существования: увядающие розы, курильница, свеча, часы; или связывалось с осуждающимися моралью привычками: лучины, курительные трубки; или указывало на любовную интригу; письмо, музыкальные инструменты, жаровня. Нет никакого сомнения, что значение этих композиций значительно шире их символического содержания.
Голландские натюрморты привлекают, прежде всего, своей художественной выразительностью, завершенностью, умением раскрыть одухотворенную жизнь предметного мира. [4] Предпочитающих крупные, по размерам, картины с обилием всевозможных предметов, живописцы Голландии ограничиваются немногочисленными объектами созерцания, стремясь к предельному композиционному и цветовому единству.
Натюрморт - один из жанров, в котором голландские национальные черты проявились особенно четко. Натюрморты, изображающие утварь скромного обихода, столь обычные в голландской живописи и очень редко встречающиеся во фламандской, или натюрморты с предметами быта зажиточных слоев общества. Натюрморты Питера Класа и Виллема Хеды, окутанные холодным рассеянным светом, с почти монохромной красочной гаммой, или написанные позднее натюрморты Виллема Кальфа, где по воле художника золотистое освещение вызывает к жизни из полумрака формы и живые краски предметов. Им всем свойственны общие национальные черты, которые не позволят смешать их с картинами другой школы, в том числе и родственной фламандской. В голландском натюрморте всегда ощущается спокойная созерцательность, и особая любовь к передаче реальных форм осязаемо материального мира.
Де Хем получил всеобщее признание благодаря своим великолепным изображениям цветов и фруктов. Детальность изображения вплоть до мельчайших деталей он соединял с блистательным выбором цветовой гаммы и утончённым вкусом в построении композиции. Он писал цветы в букетах и вазах, в которых часто порхают бабочки и насекомые, цветочные венки в нишах, окна и изображения мадонн в серых тонах, гирлянды фруктов, натюрморты с наполненными вином бокалами, виноградом и другими фруктами и продуктами. Хем мастерски использовал возможности цвета и добивался высокой степени прозрачности, его изображения неодушевлённой природы отличаются полной реалистичностью. Полотна его кисти находятся почти во всех крупных картинных галереях.[5] Значительное распространение получил в Голландии 17 века натюрморт, отличавшийся характером. Голландские художники выбирали для своих натюрмортов самые разнообразные предметы, умели их прекрасно скомпоновать, выявить особенности каждого предмета и его внутреннюю жизнь, неразрывно связанную с жизнью человека. Голландские живописцы 17 века Питер Клас (около 1597 - 1661) и Виллем Хеда (1594-1680/1682) писали многочисленные варианты "завтраков", изображая на столе окорока, румяные булочки, ежевичные пироги, хрупкие стеклянные бокалы, наполовину наполненные вином, с удивительным мастерством передавая цвет, объем, фактуру каждого предмета. Недавнее присутствие человека ощутимо в беспорядке, случайности расположения только что служивших ему вещей. Но этот беспорядок лишь кажущийся, так как композиция каждого натюрморта строжайше продумана и найдена. Сдержанная серовато-золотистая, оливковая тональная гамма объединяет предметы и придает особую звучность тем чистым цветам, которые подчеркивают свежесть только что разрезанного лимона или мягкий шелк голубой ленточки. Со временем "завтраки" мастеров натюрморта, живописцев Класа и Хеды уступают место "десертам" голландских художников Абрахама ван Бейерена (1620/1621-1690) и Виллема Кальфа (1622-1693). Натюрморты Бейерена строги по композициям, эмоционально насыщены, красочны. Виллем Кальф на протяжении всей жизни писал в свободной манере и демократические "кухни" - кастрюли, овощи и аристократические по подбору изысканных драгоценных предметов натюрморты, полные сдержанного благородства, словно насыщенные внутренним горением красок серебряные сосуды, кубки, раковины. В дальнейшем развитии натюрморт идет теми же путями, что и все голландское искусство, утрачивающее демократизм, свою одухотворенность и поэзию, свое обаяние. Натюрморт превращается в украшение жилища высокопоставленных заказчиков. При всей декоративности и мастерстве исполнения поздние натюрморты предвосхищают закат голландской живописи. Социальное перерождение, известная аристократизация голландской буржуазии в последней трети 17 столетия порождают тенденцию к сближению с эстетическими воззрениями французского дворянства, приводят к идеализации художественных образов, их измельчанию. Искусство теряет связи с демократической традицией, утрачивает реалистическую основу и вступает в полосу длительного упадка. Сильно истощенная в войнах с Англией, Голландия утрачивает свое положение великой торговой державы и крупнейшего художественного центра.[6]
Виллем Хеда (около 1594 - около 1682) - один из первых мастеров голландского натюрморта XVII века, чьи работы весьма ценились современниками. Особой популярностью в Голландии пользовался такой вид полотен, как "завтрак". Они создавались на любой вкус: от богатых до более скромных. Картину "Завтрак с крабом" выделяет нехарактерный для голландского натюрморта большой размер (Приложение I). Общая гамма произведения холодная, серебристо-серая с немногочисленными розоватыми и коричневыми пятнами. Хеда изысканно изобразил сервированный стол, на котором в тщательно продуманном беспорядке расположены предметы, составляющие завтрак. На блюде лежит краб, выписанный со всеми особенностями, рядом желтеет лимон, изящно срезанная корка которого, закручиваясь, свисает вниз. Справа лежат зеленые оливки и аппетитная булочка с золотистой корочкой. Стеклянные и металлические сосуды добавляют натюрморту основательности, их цвет почти сливается с общей гаммой.[7]
Мир искусства разносторонний. Одна из прекрасных его сторон является изобразительное искусство и, особенно живопись. А одной из интересной и оригинальных жанров живописи - натюрморт. Приступая к работе над натюрмортами, возникла необходимость познакомиться с историей жанр натюрморт, работами известных художников. Кратко остановимся на истории натюрморта, как жанра живописи. Натюрморт как жанр живописи возник в Европе на границе 16-17 столетий, но его
предыстория началась гораздо раньше. Вместе с бытовым жанром, натюрморт долгое время считался вторым видом живописи, в котором невозможно выразить высокие общественные идеи, гражданские добродетели. Однако велики мастера доказали, что вещи могут характеризовать и социальное положение, образ жизни их владельца, порождая, таким образом, различные ассоциации социальные аналогии Древние авторы упоминают о первом мастере натюрморта - греческом живописец Пернакос, жившем в эллинистическую эпоху. Возможно, что его картин послужили образцами для фресок в Помпеях. Это яркие и сочные изображении цветов, фруктов, а также ритуальных сосудов, письменных приборов, монет Наиболее распространенной разновидностью натюрморта является изображении предметов домашнего обихода. Этот тип натюрморта, тесно связанный с развитие бытового жанра, интерьера, пейзажа, ярко расцвел в западноевропейское искусстве 17 века. Каждая национальная художественная школа по-своему самобытно решала эту проблему. Так, например, голландский натюрморт 17 век поражает богатством тем. В каждом художественном центре страны живописцы предпочитали свои композиции: в Утрехте - из цветов и плодов, в Гааге - и рыбы. В Харлеме писали скромные "завтраки", в Амстердаме - роскошны "десерты", а в университетском Лейдене - книги и другие предметы для занятии науками и традиционные символы мирской суеты - череп, свечу, песочные часы В натюрмортах относящихся к началу 17 столетия, предметы расставлены строгом порядке, словно экспонаты в музейной витрине. В подобных картина детали наделены символическим значением: яблоки напоминают о грехопадении Адама, а виноград - об искупительной жертве Христа. Раковина - оболочка оставленная когда-то жившим в ней существом, увядшие цветы - символ смерти Бабочка, родившаяся из кокона, означает воскрешение. Таковы, например полотна Балтазара ван дер Аста (1590 - 1656 гг. У художников следующего поколения вещи уже не столько напоминают о отвлеченных истинах, сколько служат для создания самостоятельны художественных образов. В их картинах привычные предметы обретают особую, на замеченную прежде красоту. Вид натюрморта, получивший название "завтраков", приобрел наиболее совершенные и законченные черты в творчестве живописце харлемской школы Питера Класа и Виллема Хеды. Они стали создателям национального натюрморта с изображением накрытых столов, уставленных скромны набором предметов, типичных для семьи голландского бюргера 1630 - 1640- годов. Интимность, простота и серьезность этих произведений отражают бытовой уклад, вкусы, симпатии и настроения первого поколения голландского буржуа выросшего в свободной, независимой стране Харлемский живописец Питер Клас (1597 - 1661 гг.) тонко и умело подчеркивает своеобразие каждого блюда, бокала, горшка, найдя для любого из них идеальное соседство. В натюрмортах его земляка Виллема Класа Хеды (около 1594 - около 1680 гг.) царит живописный беспорядок. Чаще всего он писал "прерванные завтраки". Смятая скатерть, перепутанные предметы сервировки, еда, к которо едва притронулись, - все здесь напоминает о недавнем присутствии человека Картины оживлены многообразными световыми пятнами и разноцветными тенями н стекле, металле, полотне ("Завтрак с крабом", 1648 г.) Во второй половине 17 века место скромных "завтраков" Класа и Хеды займут более богатые и эффектные "десерты" Адриана ван Бейерена и Виллема Кальфа. На их полотнах изображены грандиозные пирамиды из дорогой посуды и экзотических фруктов. Здесь и чеканное серебро, и голубой фаянс, и кубки из морских раковин, цветы, виноградные гроздья, полуочищенные плоды. В этих натюрмортах поражает любовное внимание к особенностям каждого предмета, умение тонко сопоставить материал и фактуру, разнообразные композиции, изысканные красочные сочетания, виртуозное мастерство в передаче каждого предмета. Резким контрастом к этим небольшим полотнам выглядят картины фламандских художников того же времени. Это огромные декоративные натюрморты с изображением сочных и спелых плодов, фруктов, битой птицы, кабаньих и оленьих голов, разделанных мясных туш, разнообразных рыб, от самых обычных до редких и экзотических пород. Автором этих картин был Франс Снейдерс (1579 - 1657 гг.), а сами полотна составляют оригинальный и своеобразный тип натюрморта, получивший название "лавки" ("Рыбная лавка", "Фруктовая лавка", "Натюрморт с лебедем"). Снейдерс с любовью и мастерством передает цвет, форму, фактуру предметов, располагая дары природы в неожиданных сочетаниях и при резком освещении, и объединяет их в роскошные декоративно-целостные циклы картин. Художественная доктрина классицизма отнесла натюрморт к числу низменных жанров, однако именно в 18 веке во Франции появляются великолепные полотна Ж.Б. С. Шардена (1699 - 1779 гг.). Мастер был знаком с голландской и испанской традициями этого жанра, но его отношение к натюрморту неповторимо и оригинально. Для своих картин он выбирал несколько очень простых предметов ("Медный бак", "Трубки и кувшин"), составляя из них строгую и ясную композицию. Краски художника или яркие, или приглушенные, на манер рококо. Шарден первым стал писать саму плоть, материю вещей их подлинным цветом, вместо того, чтобы раскрашивать их. Интерес к натюрморту значительно усиливается во второй половине 19 века. Импрессионисты во Франции ставят акцент на живописном восприятии мира вещей, решают проблемы светоцветовых отношений, нередко трактуют натюрморт как своеобразное декоративное панно. Постимпрессионисты (П. Сезанн, В. Ван Гог, А. Матисс) в натюрмортах акцентируют свежесть первого впечатления, разрабатывают сложные проблемы композиционного и цветового решения картины. Необычайно колористическая экспрессивность А. Матисса видна в работах: "Подсолнечники в вазах" - теплая цветовая гамма; "Фрукты и кофейник" - холодная гамма; "Синий горшок и лимон" - цветовая доминанта. П. Сезанн в своих натюрмортах великолепно использовал свойства холодных тонов уходить в глубину, а теплых - выдвигаться навстречу ("Фрукты", "Натюрморт с яблоками", "Персики и груши"). Он также утверждал, что "все в природе лепится в форме шара, конуса, цилиндра."; пространственное восприятие предмета зависит от его цвета. С начала 20 века натюрморт становится своего рода творческой лабораторией живописи. Мастера фовизма идут по пути обостренного выявления эмоциональных и декоративно-экспрессивных возможностей цвета и фактуры, в то время как представители кубизма (П. Пикассо) утверждают новые способы передачи пространства и предметов: конструируют объемы на плоскости, расчленяют формы на простые геометрические тела, воспринятые с разных точек зрения, применяют суровые, почти монохромные тона, в затем вводят в картины коллажи - различные присыпки, куски газет и другие материалы. В зарубежном натюрморте середины и второй половины 20 века выделяются работы итальянского живописца Д. Моранди, отличающиеся мягким созерцательным настроением, ясными композиционными построениями, блеклой цветовой гаммой. Социальные тенденции нашли отражение в экспрессивных, скупых по подбору предметов произведениях мексиканцев Д. Риверы, Д. Сикейроса, итальянца Р. Гуттузо. Первые русские натюрморты - "обманки" - работы Г. Теплова и Т. Ульянова появились в России в 18 веке. "Обманные" натюрморты, изображающие развешанные по деревянной стенке предметы и книжные полки отличаются тем, что художники стремились довести до предела иллюзию - зритель должен был обмануться, принять изображение за натуру. Натюрморт рассказывал о круге занятий художников-интеллигентов (чтение, музицирование, увлечение искусством, деловая переписка) и просто о предметах быта. В начале 19 века появилась мода на "ботанический натюрморт" - это были натюрморты Ф. Толстого: "Ягоды красной и белой смородины", "Букет цветов, бабочка и птичка". В конце 19 века - в начале 20 века натюрморт выходит из жанра пейзажа. Художники восхищаются предметами не столько за их собственную красоту, сколько за причастность к прекрасному, полному воздуха и света миру. Новые натюрморты появляются из под кисти известных пейзажистов, например; И. Левитан "Одуванчики"; И.Э. Грабарь "Хризантемы", "Ваза с флоксами"; К. Коровин "Натюрморт. Розы", "Сирень", "Букет на берегу моря". На начало 20 века приходится расцвет русского натюрморта. К. Коровин и мастера объединения "Бубновый валет" создают мажорные, сочные произведения, воспевающие полнокровную красоту бытия. Произведения Ильи Машкова прекрасно демонстрируют особенности "русского сезаннизма". Его натюрморты - это куски жизни, это предметы самые обычные, но поданные с самой лучшей их стороны. В натюрморте "Синие сливы" художник стремился передать сочную синеву плодов и их упругую форму. В других работах "Снедь московская. Хлебы" мастер стремился привлечь внимание к красоте самих красок - густых и очень ярких. В советском искусстве 20-30 годов и в последующие годы над натюрмортами работали такие художники: П. Кончаловский, А. Куприн, А. Лентулов, М. Сарьян, А. Остернин, А. Герасимов. Своеобразные по манере, отражающие существенные особенности современной эпохи, натюрморты были созданы в 40-50 годах П. Кузнецовым, Ю. Пименовым. В 60-80 годах тяготение к повышенной предметности изображения, стремление к эстетизации окружающего человека мира вещей наблюдалось в натюрмортах В. Стожарова, А. Никич. Весьма своеобразные натюрморты представителей поп-арта, провозгласивших после засилья абстракционизма "возвращение к реальности". Их работы воспроизводят предметы домашнего обихода, упаковку товаров, детали машин и рассчитаны на многообразные ассоциации у зрителя.
Французский живописец. Известный мастер натюрморта и бытовых сцен, один из создателей новой портретной концепции в европейской живописи века Просвещения. Одним из первых среди французских мастеров обратился к жанровому типу портрета, который явился важным этапом в развитии живописи 18 столетия, как и реалистический бытовой жанр. Оба эти направления одного и того же процесса - поиска естественности и человечности в искусстве в противовес официальному парадному искусству рококо. Шарден не любил создавать работы по официальным заказам, предпочитая изображать людей своего круга. Живописец Шарден всегда шел в своих произведениях от реального жизненного мотива. Изображаемому он придавал значительность, ведя неторопливый рассказ о повседневном событии, о предметах, связанных с окружением человека, стремился показать внутреннее достоинство моделей. Для художника важна индивидуальность модели. Исходя из наблюдаемой натуры, он ищет в ней не мимолетное выражение чувств, не психологическую сложность, а более общее, типическое, позволяющее создать портрет человека своей среды, рассказать о его жизненном укладе. Полотна Шардена всегда исполнены в неяркой цветовой гамме. Главным завоеванием его колорита были цветовые рефлексы, создававшие единое тональное звучание красок. Благодаря их мягкой гармонии достигается живописная связь пластически объемно написанных предметов, рождается чувство духовного единства человека и окружающей его среды. На протяжении всей своей жизни Жан Батист Шарден писал свои произведения практически только в двух направлениях - повседневные жизненные сцены и натюрморт. Живописец в совершенстве владел и тем и другим жанром. В повседневных композициях он показывал жизнь в низком сословии - трудящиеся женщины, играющие дети. В своих натюрмортах Шарден так же придерживался простоты, изображая на первый взгляд неприметные предметы. В этих картинах он показывает желание познания жизни предметов, восторг от разнообразия естественных вещей и их красоту.
Натюрморт "Атрибуты искусств" живописцу заказала Екатерина II. Она хотела украсить один из залов в петербургской Академии художеств. Шарден изобразил картину намного спокойнее, чем многие другие произведения (приложение II). Композиция натюрморта прекрасно составлена. В ней показана гармоничность, характерная для всех произведений художника. На главном плане картины располагается статуэтка Меркурия, сделанная французским скульптором Пигалем. Вокруг статуэтки располагаются рабочие инструменты художников, архитекторов и скульпторов. В ящике с красками неаккуратно расположились кисти и палитра. Из синего футляра выглядывают сверкающие холодным блеском инструменты чертежника. Кругом нагромождаются стопки книг и гравюр. Но, не смотря на кажущийся вокруг хаос, композиция картины составлена в четком порядке. Классический художественный порядок подчеркивается колоритной цветовой палитрой, насыщенной разнообразными оттенками. Но в то же время картина скупа на яркие краски. Среди сдержанных коричневых, белых и серых тонов выделяются всего несколько ярких пятен. Натюрморт как будто пропитался спокойствием и уравновешенностью, кажется, что художник вдохнул жизнь в неодушевлённые предметы на полотне. [8]
Удри очень хороший художник, и у него очень хорошо получаются охотничьи натюрморты. Вот и на этой его картине удивительно точно, и естественно изображена собачка на охоте, и она прямо уже таки совсем приготовилась поймать бедную птичку, которую конечно жалко. [9]
Жан-Батист Удри был одним из самых значительных и оригинальных французских художников XVIII века, который, к сожалению, мало известен в России, хотя его прекрасные работы есть и в Эрмитаже. Удри сделал блестящую карьеру. Создавая почти иллюзионистические в своей достоверности и превосходно скомпонованные полотна, особенно охотничьи сцены. Правда, наибольшую славу художнику принесли великолепные изображения экзотических животных (часто в натуральную величину), которые за их убедительность и жизненность называли "портретами". Удри создает декоративные натюрморты (плоды, цветы), а затем обращается к анималистической живописи. Наконец, художник долгие годы всецело сосредоточивается на сценах охоты. Его талант в этой области оказывается быстро замеченным: в 1719 г.
Удри выполняет первый королевский заказ на три
большие охотничьи сцены для замка в Шантийи. Картины отличались приятным
серебристым колоритом, живостью и верностью передачи характера животных и их
движений. Последовали и другие заказные картины, среди которых одной из самых
удачных была большая сцена охоты с портретами Людовика XV и его придворных
(замок Марли, близ Парижа). Постепенно Удри перешел от мелкой деталировки
картин к ритмически-свободным композициям в духе рококо. Художник быстро достиг
совершенства и в технике передачи светотеневых и цветовых соотношений, ему
великолепно удавался эффект "тромплеи", или "обманки".
Такова его работа "Белая утка" (1753), принадлежащая к его самым
знаменитым "белым" натюрмортам. В этой картине, как и в других
"обманках художника", его стремление к точности переросло почти в
навязчивую склонность к достижению полной иллюзии. Полотно "Белая
утка" относится к наиболее ценным картинам (ПриложениеIII).
Произведения Удри украсили и российские дворцы, включая императорский Эрмитаж.
[10]
1.3 Развитие натюрмортного жанра в
европейской живописи 19 века
Важное представление натюрморта особо хорошо наиболее выразительно в своем творении великий французский художник Гюстав Курбе. Откровения его связи с окружающим миром простотой и доступностью, находившийся в главном его творчестве, возвратили западноевропейскому произведению жизненную силу, яркость и четкость. Курбе был одним из ведущих крупным знатоком своего дела XIX столетия, который построил школу в натюрморте.
Последующее свое усовершенствование реалистический натюрморт приобрел в творчестве Эдуарда Мане. В строгом подходе взгляда Мане к этому жанру пример Курбе сыграл не мало важную роль. Объединило художников похожая тенденция глубоко сблизиться с натурой. И все же установленные задачи и их альтернатива натюрморта, виды художников основательно разделялись. Курбе хотел показать влияние всех изначальных правил жизни. Работа Мане заключалось в том чтот он через поверхностное установление как бы, не спроста хотел проникнуть в глубоко уловимый, единственный характер предметов. Оттого Мане в близи с Курбе выглядит менее серьезным и аргументированным. В работах Мане изображая красоту к вниманию зрителей, художник был великолепен. Работая над натюрмортом Мане так же усердно трудился и в других направлениях, стремился достичь вершину современной жизни и значения слова прекрасное, передавая это на полотно. Он делает композиции менее упрощенными, уменьшая количество предметов. [11] www.impressionism.ru