Вячеслав Зайцев был одним из тех отечественных модельеров, кто расширил область применения традиций народной культуры как источника творчества современного дизайнера. Его коллекция под девизом «Кижи» была разработана на основе принципов художественного проектирования памятников деревянного зодчества Русского Севера, декоративное узорочье которых созвучно народным вышивке и кружеву. В те же годы итальянский дизайнер Джанфранко Ферре, вернувшись из Индии, создает модели женской одежды с использованием традиционных национальных индийских юбок в сочетании «цветов пряностей» - красного и черного перца, карри, корицы, ванили. Тогда же появляется понятие «этнический» стиль, который приходит на смену фольклорному.
В конце ХХ века область использования и способы применения национальных традиций в разработке костюма продолжают расширяться. Микростили смешиваются. В «романтическом» направлении появляются элементы «спортивного», а в «классическом» - «этнического». Наступает эпоха «диффузного» стиля. Начало ХХI века в современном мире характеризуется почти революционными изменениями. В искусстве и моде утверждается концептуализм. С одной стороны - нарастающая глобализация и новейшие технологии, с другой - активно развивающиеся тенденции постоянного совершенствования личности с ее возрастающими индивидуальными потребностями, в первую очередь в сфере получения модного продукта. Задача культуры потребления - успешная продажа изделий, а значит, не прекращающаяся ни на минуту работа над новыми образцами. Получают распространение специфические способы дизайн-проектирования, в том числе и в дизайне костюма, а в моде прочно укрепляется так называемый «арт-дизайн». «Его особенность состоит в том, что усилия дизайнера направлены на организацию художественных впечатлений, получаемых от образа воспринимаемого объекта. Изделия становятся почти исключительно декоративными, выставочными, т.е. фактически проектируются эмоции» [13, с. 14]. А это значит, что современный художник-дизайнер обязан не только считаться с законами массовой культуры, но и уметь к ним приспосабливаться. Поэтому на подиуме начинают демонстрироваться театрализованные «неносибельные» модели, призванные показать клиентам высочайшие творческие способности мэтров моды. Подобная тенденция усиливает конкуренцию между художниками, поэтому возрастает значение эпатажа. В изделиях это выражается постоянным обновлением материалов и новыми приемами конструирования и декорирования за счет совершенствования и развития компьютерных нанотехнологий. А в моде среди постоянно размножающихся стилевых направлений начинает лидировать «деконструктивизм». «В области дизайна деконструкция означает… разложение целостного первоисточника на элементы, оперирование фрагментом, вырванным из контекста. Проектирование превращается в своеобразную игру с фрагментами, когда соединяется несоединимое, рождаются парадоксы и новые образы» [7, с. 186]. В дизайн-проектировании костюма эта концепция выражается разрушением формы - в изделиях нарушаются традиционные принципы гармоничного соединения конструкции и приемы декоративно-художественного оформления. Для большинства потребителей «деконструкция» привлекательна лишь на подиуме, поскольку в повседневной жизни одежда и ее аксессуары должны быть «носибельными». И если «разрушенная форма» пользуется популярностью в основном у молодежи, то потребители среднего и особенно старшего возраста - по-прежнему сторонники привычных ценностей. Именно поэтому сегодня традиции национального костюма народов мира или то, что называют «этнический стиль», оказываются востребованными как никогда.
«Этнический стиль», основанный на использовании традиционных национальных культур народов земного шара с их апробированными веками наиболее соответствующими человеку потребностями в красоте и гармонии, - в настоящее время основной противовес разрушительным устоям деконструктивизма. Эти традиции, учитывая особенности современной массово-потребительской культуры, находят сегодня новое применение.
Сегодня можно выделить несколько способов разработки изделий:
– приближенный к «традиционному», когда происходит «цитирование» подлинного образца. Однако точной копии быть не может: авторы используют как новые материалы, так и новые приемы конструирования изделий;
– новое применение в одном изделии непривычных нам сочетаний материалов, как, например, меха и кружева или кружева и войлока и т.п.;
– наиболее сложный прием использования (так называемый «микс»), когда художник, применяя в разработке изделия народные традиции, органично соединяет вместе элементы кроя и декора народного костюма различных народов земного шара, творчески интерпретируя их по-своему таким образом, чтобы эти традиции лишь ассоциативно угадывались потребителем.
В итоге проведенного исследования можно сделать вывод, что традиционный национальный костюм сегодня остается востребованным как источник творчества дизайнера ХХI века. В современном мире наблюдается возрастание интереса к традициям национальных культур, в том числе и многонациональных российских. А это значит, что работа отечественных исследователей в данной области - дизайнеров по костюму, этнографов, историков, искусствоведов - по-прежнему остается значимой и перспективной.
Список источников
национальный костюм дизайн мода
1. Алпатов М. В. Немеркнущее наследие. М.: Просвещение, 1990. 302 с.
2. Буфеева И. Ю. Опыт сохранения и развития традиций национального костюма в странах современной Европы // Народный костюм на сцене, в школе и музее: сб. статей по материалам Всероссийской научно-практической конференции. Смоленск: Смоленский дом народного творчества, 2015. С. 54-66.
3. Буфеева И. Ю. Традиции народного костюма и современная мода // О специфике современного этапа развития искусства народных художественных промыслов РСФСР: сб. науч. статей. М.: НИИХП, 1989. С. 114-134.
4. Василенко В. М. Русское народное искусство. М.: Российский государственный гуманитарный университет, 2011. 170 с.
5. Горбачева Л. М. Костюм ХХ века: от Поля Пуаре до Эммануэля Унгаро. М.: ГИТИС, 1996. 119 с.
6. Донскова И. И. Шотландия. Мистическая страна кельтов и друидов. М.: Вече, 2007. 303 с.
7. Ермилова Д. Ю. История домов моды. М.: Академия, 2003. 288 с.
8. Зайцев В. М. Такая изменчивая мода. М.: Молодая гвардия, 1980. 206 с.
9. Ламанова Н. П. Русская мода // Красная нива. 1923. № 30. С. 32-40.
10. Маслова Г. С. Народная одежда в восточнославянских традиционных обычаях и обрядах ХIХ - начала ХХ в. М.: Наука, 1984. 216 с.
11. Моран А. де. История декоративно-прикладного искусства. М.: Издательство В. Шевчук, 2011. 643 с.
12. Николай I. Муж. Отец. Император. М.: Слово, 2000. 616 с.
13. Рунге В. Ф., Сеньковский В. В. Основы теории и методологии дизайна. М.: МЗ-Пресс, 2003. 252 с.
14. Сен-Лоран И. 28 лет творчества. 1958-1986. Париж: Эршер, 1986. 224 с.
15. Сыркина Ф. Я. Русское театрально-декорационное искусство. М.: Искусство, 1978. 246 с.