Размещено на http: //www. allbest. ru/
Санкт-Петербургский государственный университет промышленных технологий и дизайна 191186, Санкт-Петербург, Большая Морская, 18
Какие основы необходимо понимать и использовать художнику
О.В. Петина, П.П. Гамаюнов
Аннотация
Рисование - это изображение на бумаге того, что видит глаз, сквозь призму индивидуальных способностей, мировоззрения и характера художника. Два разных человека изображают всегда по-разному, что видно в художественных учебных заведениях. Когда человек выбирает изобразительное искусство для выражения себя, он должен понимать, что у этого направления в творчестве, как и у любого другого, есть свои основы, без изучения которых невероятно сложно будет показать свои идеи, свое видение.
Ключевые слова: методы преподавания, изобразительное искусство, рисунок, живопись, преподавание
Summary
O.V. Petina, P.P. Gamayunov
Saint Petersburg State University of Industrial Technologies and Design 191186, St. Petersburg, Bolshaya Morskaya, 18
WHAT BASES ARE IT NECESSARY TO UNDERSTAND AND USE THE ARTIST
Drawing is an image on paper of what the eye sees through the prism of individual abilities, worldview and the character of the artist. Two different people are always portrayed differently, as seen in art schools. When a person chooses art for expressing himself, he must understand that this trend in art, like any other, has its foundations, without studying of which it will be incredibly difficult to show your ideas, your vision.
Keywords: teaching methods, visual arts, drawing, painting, studying
В настоящее время существует множество методов обучения изобразительному искусству.
Изобразительное искусство рассматривается как дисциплина, формирующая эстетически развитую личность, как культура отношения ко всем явлениям жизни, как творчество - развитие ассоциативного мышления, как система языков пластических искусств, как дисциплина, развивающая физиологические навыки и корректирующая психологические особенности личности. Задачи изобразительной деятельности на начальном этапе подчиняются глобальной цели общего образования, связанной с развитием личности учащегося. Данной зависимостью определяются главные задачи художественного развития личности студента на уроках изобразительного искусства, которые в комплексном единстве с другими учебными предметами должны способствовать формированию у учащегося целостного образа мира и эстетического отношения к окружающей действительности.
Эстетическое воспитание, анализ творчества различных авторов, изучение истории искусства начинается ещё в школе. На школьных уроках изобразительного искусства мы учимся рисовать на заданную тему. Посещая музеи, знакомимся с известными и великими произведениями прошлых веков. На истории искусства (или мировой художественной культуре) учимся анализировать то или иное произведение.
Некоторые из нас связывают жизнь с изобразительным искусством. Начинают посещать в детстве художественную школу, далее выбирают себе наиболее понравившееся направление и готовятся к поступлению в университет. Люди, выбравшие путь творческого человека, сталкиваются с тем, что творческих специальностей очень и очень много. Монументальная живопись, станковая графика, академическая живопись, скульптура, архитектура, реставрация. И перед человеком встаёт выбор.
Несмотря на то, что все специальности находятся в одной плоскости, на самом деле они очень разные. Но их объединяют основы. Любой художник всегда начинает с изучения основ. В самом начале творческого пути, когда человек ещё учится в детской художественной школе, ему внедряют основы через уже готовые его произведения, не нагружая излишней теорией. Могут подсказать, где ошибка и объяснить, как ее исправить. С каждым годом, перед ним ставят все больше сложных задач, он начинает понимать нюансы. Когда человек взрослеет, он начинает изучать различную литературу, еще больше предметов его интересуют. Анатомия, перспектива, освещение и т.д.
Чем больше человек узнает, тем сложнее становится воспроизводить свои собственные идеи.
Вопреки наполненности большим количеством знаний, часто переходя на профессиональный уровень художник теряется, не знает как достойно справиться с поставленной задачей. Это могут быть постановки и задания в университете, или полученный заказ на произведение, где есть то, чего художник не рисовал ранее.
И здесь перед художником встаёт вопрос: что необходимо знать и помнить, чтобы итоговое произведение не было безвкусицей, а наоборот говорило о хорошем мастерстве художника?
Основы рисунка одинаково работают для любого произведения. Будь то кадр кино или анимации, живопись, коллаж, графика. Жизненные впечатления художник может зафиксировать в быстро выполненных набросках и зарисовках. Подготовительный рисунок необходим при создании живописных полотен, фресок, мозаик и витражей. Скульптору необходимо хорошее владение рисунком, чтобы правильно передавать пропорции и объем, располагать форму в пространстве. Дизайнер или архитектор свой первоначальный замысел проекта фиксирует с помощью рисунка в эскизах. Композиция скульптурного рельефа начинается с рисунка. [1] Хорошо поняв и применив базовые навыки, произведение будет приятно глазу и оценено по достоинству.
Если рисунок для восприятия человека будет убедителен, за счет правильности форм, текстуры, пространства, света, и будет пробуждать эмоции, художник может рассчитывать на хорошую оценку его произведения. рисование обучение изобразительный искусство
В преподавании изобразительного искусства, рисунка и живописи, не стоит учить особым, индивидуальным техникам. Лучше всего будет обучать пониманию формы, контура и оттенков. Совершенно не важно какая у начинающего художника, и профессионала тоже, манера изображения. Важны знания, основы. У других художников стоит учиться, как они управляются с освещением, линиями, штриховкой, но не стоит копировать их технику, например акварели.
Какие же основы необходимо понимать и применять художнику? Прежде всего это пропорции, постановка в пространстве (размещение в пространстве), перспектива (взаимосвязь ракурса и предмета), плоскости (взаимосвязь поверхностей и освещения), а также порядок тонирования (расположение светлых и темных участков).
Помимо этих пяти пунктов также нужно выделить идею (или сюжет), построение, силуэт, характер и согласованность.
Раскроем каждый из этих десяти пунктов.
Все, что художник изображает обладает размерами: высотой, шириной и глубиной. Отношения между ними называются пропорцией. Все части изображения соотносятся друг с другом каким-либо образом. Если эти отношения художник изобразил верно, то они дадут верные размеры всего изображения в целом. Рисунок с плохими пропорциями будет плохо воспринят зрителем, поэтому пропорция будет первой.
Понимание пропорций, не смотря на свою важность, не дает полного познания как нарисовать картину. После того, как художник осознал отношения предметов в изображении между собой, ему необходимо подумать, как он расположит предмет на бумаге. Художник оценивает, где самое выгодное для предмета место на бумаге, выбирает ракурс, размер, в зависимости от удаленности предмета. Эти все действия называются постановкой, то есть размещением в пространстве.
Когда выбран ракурс и художник знает, где разместить предметы, он начинает рисовать. Художник не может нарисовать предмет, если он не знаком с понятием перспектива. Перспектива - это первая возникающая сложность в познании рисования, и она первое, что необходимо изучить художнику. Понимание предмета необходимо углублять в течение каждого занятия рисованием или перед ним. Произведение не будет правдоподобным, если в нем отсутствуют закон перспективы. У зрителя возникнут проблемы в восприятии, если есть нарушения с уровнем горизонта (или уровнем глаз).
Кратко говоря, художнику необходимо понять, где в изображении линия горизонта, точка схода, количество точек схода (куда сходятся все линии, исходящие от предмета).
Перспектива позволяет создать впечатление реальности изображения. Перспектива так же служит для того, чтобы сделать рисунок объёмным. Перспектива в рисунке учитывает точку, с которой мы смотрим на происходящее, что мы видим с этой точки, под каким углом мы видим объекты на рисунке. Большинство законов этой области были разработаны ещё в эпоху Возрождения. С тех пор художники умеют изображать картины с любой точки зрения, и делать их объёмными. В основе законов стоят прямые, которые при определённых правилах их наложения точно нам укажут размеры объектов по мере их удаления. Параллельные линии, которые идут к горизонту, будут стремиться в одну точку и на горизонте сойдутся в неё. Так же сходятся в одной точке на горизонте или на уровне глаз воображаемые линии, которые продолжают линии объекта. Чем ближе к вам объект, тем более искажённую форму он будет принимать. Например, маленькая коробочка рядом с вами будет искажаться (уменьшаться угол схода) намного больше, чем большой дом вдалеке от вас. Более близкие предметы или планы кажутся крупнее, чем удаленные.
Несложно нарисовать куб, установленный прямо перед глазами. Сложнее нарисовать, воображаемый куб, на любом уровне глаз при любых внешних условиях.
Итак, возможно, у художника уже есть твердые знания о компонентах выше, далее ему необходимо понять, как правильно положить на форму свет, полутон и тени. Их необходимо распределить по плоскостям. Для начала художнику нужно понять, где источник света, относительно предмета. Далее художник должен выделить плоскости света (самая освещенная плоскость), после, по мере удаления от плоскостей света, возникают области полутонов (средние оттенки). Затем, после областей полутонов идут области, погруженные полностью в тень, плоскости тени. Но в плоскостях теней, есть отраженный свет от плоскости, на которой предмет находится. Это рефлекс, он является частью тени, но намечает форму предмета.
Как только художник понял, где на предметах находятся собственные света и тени, он переходит к следующему этапу. Художнику необходимо определить порядок тонирования. Когда художник имеет дело с оттенками, ему необходимо расположить тона на произведении каким-то образом. Порядок тонирования - составная часть композиции. Постановка относится к композиции с точки зрения линий и контуров, порядок тонирования - с точки зрения областей тона. Здесь необходимо подойти к делу творчески. Ведь, в природе тонирование может быть не таким хорошим, или не таким как необходимо для итогового изображения. Композиция - это абстрактный предмет. Существует множество литературы и подходов к композиции, и каждый художник выбирает того автора, который ближе для него и по духу, и по стилю, и по мировоззрению. Но все же композиция довольно инстинктивна. Каждый человек понимает композицию по-своему, исходя из своей интуиции и опыта. И если теория музыкальной композиции имеет строгую и ясную систему, то в теории изобразительного искусства композиция обычно связывается с сюжетом. Композиции принадлежит одна из главенствующих ролей потому, что именно этот предмет непосредственным образом должен воздействовать на развитие творческих способностей, стимулировать и направлять их, т.е. формировать то, без чего не может состояться художник, каким бы мастером рисовальщика или живописца он не обладал. В основу работы над предметом, должно быть положено стремление воспитывать в художнике не просто копировать действительность, а выражать свое отношение к ней, т.е. создавать художественный образ, добиваясь выразительности композиционного решения.
Лучший способ освоить порядок тонирования помогут эскизы и наброски. Используя в них ограниченное количество тонов (три или четыре), художник учится чувствовать предмет. Такие маленькие изображения зачастую делаются перед большой работой. Каждое произведение вырастает из эскиза. [2]
Итак, первые пять компонентов перечислены, они уже способствуют хорошему результату, но это еще не все составляющие хорошего рисунка. Каждый рисунок должен нести в себе эмоции. Если предмет не одушевлен, эмоция выражается в его подаче. Для пейзажа это может быть атмосфера дня или очарование подачи сюжета. Для натюрморта - отклик на смысловое содержание рисунка, на сами предметы изображения. В изображении фигур человека эмоции могут проявляться в действии, или в выражении лиц, в самом сюжете, в который вовлечены персонажи.